Цена искусства: кто и как определяет арт-шедевры?

Кино, литература, музыка, мода и живопись – в наше время искусство буквально повсюду. Мы выросли с убеждением в его ценности и принятием определенных арт-объектов шедеврами, потому что таковыми их уже назвали. Еще ничего не зная о Леонардо Да Винчи, каждый из нас без труда узнавал «Мону Лизу» и соглашался с тем, что «Черный квадрат» Казимира Малевича – выдающееся произведение искусства, в глубине души искренне недоумевая, почему картина, которую под силу нарисовать даже пятилетнему ребенку, считается практически бесценной, а её создатель – настоящим гением. Так, кто и каким образом определяет, что станет следующим культурным достоянием, а что так и останется пылиться в художественной мастерской? Разбираемся на примере трех, известных каждому, шедевров искусства разных эпох.

Дело об украденной Джоконде

«Мона Лиза» – картина, овеянная ореолом загадочности, работе над которой Леонардо отдавался с особенной страстью, когда-то была известна лишь тонким знатокам искусства и не являлась культовым произведением, вплоть до 21 августа 1911 г. В тот день на месте, с которого Джоконда обычно наблюдала за посетителями музея с загадочной улыбкой, работники Лувра обнаружили зияющую пустоту. Был проведен тщательный обыск, закрыты границы страны, музейные работники уволены, а дело поручено лучшему французскому сыщику. Под подозрение попал даже Пабло Пикассо, а главную роль в деле о похищении сыграла пресса. «Мона Лиза» то и дело появлялась на обложках газет и журналов, позволяя следить за настоящей мировой сенсацией всем – от аристократов до школьников. Спустя два года картина была найдена в Италии, а её похитителем оказался итальянский мастер по зеркалам Винченцо Перуджей, сезонно работавший в Лувре. Мотив похищения так и не был точно установлен, хотя, по словам мужчины, его целью было возвращение Джоконды на историческую родину. Хваля за патриотизм, суд Флоренции приговорил Перуджей к году заключения. «Мону Лизу» в течении нескольких месяцев выставляли в разных городах Италии, после чего, спустя два года, она вернулась в Лувр, став его новой «примадонной».

Почему не каждый сможет написать «Черный квадрат»

Обыкновенный черный квадрат на белом холсте, совершивший настоящую революцию в искусстве, при первом знакомстве обычно вызывает у всех идентичную реакцию. Мы принимаем это многомилионное произведение за неудачную шутку, а художника за полную бездарность. Ведь Казимир Малевич был даже далеко не первым, кто додумался нарисовать квадрат черного цвета и выдать его за картину, например, «Ночная драка негров в подвале» Пола Билхода мало чем отличалась от вышеупомянутого шедевра. Но почему же именно квадрат Малевича оставил столь важный след в мире искусства? Всё дело в том, что автор сумел придать картине верный смысл, вдобавок сделав это крайне вовремя – тогда, когда в искусстве открылась новая ниша. Поднадоевший кубизм достиг своего апогея и уступил место супрематизму, воплотившему в себе освобождение живописи от предмета, удаление всех отсылок к внешнему миру и, являющему собой акт «чистого творчества». На легендарной футуристической выставке в Петрограде «0’10» картина-манифест была помещена в правом «красном» углу, куда в православии принято вешать иконы. Однако, этот жест вовсе не означал выпад в сторону религии. Повесив черный квадрат в «красном» углу, Малевич обозначил новый символ, перевернув тем самым с ног на голову традиционное отношение к искусству, и превратил его в интеллектуальную игру, в которой художник перестает быть для зрителя обслуживающим персоналом и сам устанавливает правила.

Эстетизация банального

В 1950-х годах менее эгоцентричные, нежели их предшественники, художники Джонс и Раушенберг, поставили перед собой цель – вынести на всеобщее обозрение будничные реалии Америки. Именно Джаспер Джонс, предпочитавший изображать на холстах примитивные предметы, которые мы даже не замечаем в повседневной жизни (карты, буквы, цифры), вдохновил небезызвестного Энди Уорхола. Однажды, придя к матери, терзающийся поисками себя в мире искусства, будущая звезда поп-арта принялся за свой неизменный обед – кусок хлеба и банку супа Кэмпбэлл. Уорхол решает обратиться к образам популярным и порождающим спрос. Так появляется композиция, состоящая из 32 полотен, каждое из которых представляло банку с определенным вкусом из линейки. Банки супа определили не только Энди Уорхола как художника, но и весь поп-арт как новое направление в искусстве, который по своей сути являл равенство всех людей из разных социальных слоёв перед предметами массового потребления. Ведь банка супа Кэмпбэлл, купленная нищим, ничем не может отличаться от той, что купила голливудская звезда. Уорхол бросает вызов убеждению в том, что искусство должно быть оригинальным и выражает свой протест против его излишней философичности.

Любимый ныне многими, Ван Гог при жизни из сотен картин и набросков продал лишь несколько, так и умерев нищим. Теперь его произведения – одни из самых дорогих на рынке, а изгой, чья техника и идеи были слишком новаторскими для тогдашнего времени, заслужил звание величайшего художника. Это в очередной раз доказывает, что искусство невозможно предугадать. Мы никогда не знаем, какой автор взлетит, а какой останется продавать свои картины в переходе. В непостоянном мире современного искусства успех зависит от множества переменных, таких как соответствие картины своему времени, отраженная в ней идеология, выставки, с которой она участвовала, работа арт-дилера, интересный бэкграунд, вроде похищения и общая история автора, побуждающая нас на эмоции. Сложность, оригинальность и техническая наполняющая больше не играют первостепенную роль. Люди нашего поколения хотят, чтобы произведения искусства несли в себе идею и историю, а не просто красивую картинку.